Ejemplos de analisis cinematografico
Entorno e Identidad.
En el film “La guerra de los Roses” se evidencia las estructuras del diseño social, con la expansión de la idea de la espacialidad, y bajo el impacto de las consecuencias que eso conlleva, se pierde la validez de las representaciones unificadoras; entonces, el arte, en tanto que herramienta cultural, comienza a descubrir un nuevo oficio. A si pues, el arte siempre ha estado del lado de la identidad cultural, constituyendo su visualidad, o contestándola por medio de sus contra visualidades referenciales, generando la conciencia de ser existente (quienes somos), y su historia (de dónde venimos). En la evolución del Film se ve como el Sr. Roses, dedica su vida a la construcción de un ideal, la casa de sus sueños, los artículos de sus sueños, la vida de sus sueños. Esta búsqueda de la vida perfecta, fue un constante escrutinio de que era, y que quería ser; cada vez que ella adquiría algo, modificaba y reestructuraba su propia identidad, generando una mimesis entre ella y la casa. De esta manera se intensifico el conflicto entre los Srs Roses, ya que el Sr( Michel Douglas), buscaba el control total sobre su esposa, y ella buscaba el control sobre ella misma; representando así las pasiones egoístas que contribuyen a la construcción de individuos y sociedades. Andrés Felipe Parra
Espacio Existencial Espacio Público,
Contexto Natural En el Film “Mediterráneo”, se demuestra como el asentamiento incipiente, en este caso un pueblo costero de la península griega, se maneja como un sistema estable que mantiene una estrecha relación con el ambiente circundante. El pueblo se desarrolló a la rivera de la costa mediterránea, nutriéndose de los beneficios que el contexto le ofrecía, frutos del mar, cría de semovientes productores de lácteos. Un área estable para la construcción. Las variables que determinan el deterioro del pueblo son por lo general agentes externos, en este caso el ejército alemán. Durante el periodo de asedio y toma del pueblo por parte del ejército extranjero, se desplazó el centro organizacional social político y religioso, dejando desprotegidas las edificaciones que representan estas funciones, la única edificación no afectada durante el conflicto que evidencia el film, es el prostíbulo lo que responde a relaciones funcionales, cambiando el modo económico del momento; es decir la economía descendente rige y sostiene al pueblo, al igual que en los asentamientos mineros y otros del viejo oeste americano. Por otra parte, la comunidad del pueblo estaba determinada por los extremos del rango de vida, lo que incentivaba el manejo de identidad social y religiosa, lo que busca ejercer un impulso de mejora posterior al conflicto, por esto; la autoridad religiosa encamina esfuerzos con el capitán italiano para restaurar la iglesia y en pro de mantener su identidad intacta. Como todos los pueblos griegos, el asentamiento se ubica en posiciones costeras resguardadas por accidentes geográficos, los cuales tenían fines estratégicos. Estos accidentes geográficos dificultaban el avance de tropas por tierra, y proveían un área de cría para cabras, convirtiéndose el puerto de ingreso o la salida al mar en la forma más directa para entrar en el pueblo. Andrés Felipe Parra
Espacio habitacional
en el film Sensatez y Sentimiento. Al verse obligadas a cambiar de centro por una serie de acontecimientos fuera de su control la familia se traslada a la campiña, con el fin de reducir los gastos de su manutención. La pintoresca cabaña era una oposición a todo lo que su antigua casa representaba y a lo que estaban acostumbradas, las incomodidades como la chimenea tapada, lo que intensificaba el frio nocturno, el corredor oscuro a cualquier hora del día y lo pequeño del lugar confirió una acelerada apropiación del sitio y de su nueva realidad económico- social. Aunque la familia presentase una comodidad aparente al apropiarse del sitio, siempre hallaban una disculpa con el fin de abandonarlo, como el viaje a Londres, el paseo de las hijas menores bajo la lluvia, una forma de salir de lo agobiante de la situación con el deseo de despertar a su antigua realidad. La apropiación del sitio se ve claramente en la escena en donde muestran una nueva casa de árbol en la nueva casa. Lo que confiere una aceptación total por parte de la familia a esta realidad. Los elementos que la familia maneja, empiezan a estabilizarse, generando una construcción mental del lugar y su entorno, es decir la apropiación es total y el espacio habitado empieza a jugar un rol sumiso con respecto a los primeros días en dicho lugar. André Felipe Parra
Espacio Habitacional, Espacio Interior.
En el film “El Secreto de sus Ojos”, se aprecia claramente la relación del hombre y el espacio interior, gracias a su estructura narrativa. “el interior se disuelve hasta el infinito sin dejar de ser interior. Más aún, lo extraño es que esta infinitud móvil del recinto, esta carencia de límites, esta transición del espacio limitado a la infinitud in espacial solo puede verse de esta manera en el interior” (1969:87). HOMBRE Y ESPACIO O. F. BOLLNOW En el desarrollo de la historia se ve como los espacios privados, representados por las casas, muebles (escritorio en la fiscalía)… representan a su usuario, su poseedor y revela un camino del autoconocimiento y de la meditación, y este se traslada a sus observadores siendo un fiel reflejo del propietario. Heidegger nos dice: ”Un esquema que divide entre un interior y un exterior, en el que se despliega una acción de apropiación de los contenidos exteriores al interior de una disciplina. Un ejercicio de afuera a dentro, una interiorización.” Lo que indica la o hace referencia a la búsqueda de conocimiento por parte del hombre, desde la primera infancia se empieza a construir la psiquis lo que posteriormente exteriorizan con la forma de actuar, los gustos… Esto se ve reflejado en cada objeto al cual se le asigna valor, una foto, una silla etc. las cuales pueden brindar más información del propietario, que él mismo. Andrés Felipe Parra
Espacio Público Privado Interior – Exterior
En el film “Historia de Lisboa” en donde un manejo poco común en la apropiación de la ciudad como centro habitacional; la importancia del sonido como medio para conocer y habitar la ciudad. La ciudad muestra construcciones clásicas de las ciudades costeras de la península ibérica, en donde la piedra de coral entra como elemento fundamental. Las edificaciones presentan techos altos como manejo de las temperaturas altas de las zonas costeras y entran a jugar un rol secundario el proporcionar el efecto de caja de resonancia en las experimentaciones y grabaciones del ingeniero de sonido, al igual que los pisos de madera. En el exterior las edificaciones actúan como un medio de embellecimiento de la ciudad, manejando colores vistosos y la superposición al estilo de un collage modernista; espaciados únicamente por estrechas callejuelas adoquinadas. Por otro lado, la parte reestructurada de la ciudad muestra amplios bulevares, los cuales interconectan las áreas estratégicas de la ciudad y se entrelazan muy bien con los medios de transporte destinados para la ciudad durante su evolución; como los antiguos tranvías en las zonas tradicionales, los automóviles en las autopistas, los ferris y barcos en la bahía… mostrando una ciudad moderna, en la cual el desarrollo prevé la apropiación de la tecnología sin negar la historia y tradición de ciertos lugares que parecieran ser eternos e inmutables. Andrés Felipe Parra
Espacio Urbano. Espacio Público, Espacio Privado
En el film Shakespeare Apasionado, se ejemplifica muy bien el apogeo de una ciudad antes de reinventarse posteriormente como efecto del incendio del año 1666. Las edificaciones a base de madera local, y algunos de talles estructurales como medio de proyección de bases eran el estándar en el momento, en toda Europa, agregando detalles estilísticos de la cultura predominante. Las estrechas calles, prevalecían por su múltiple uso, los cuales entraba dentro de un contrato social conforme a la realidad urbanística del momento, por ejemplo el manejo de desperdicios, los cuales se arrojaban desde las ventanas de las edificaciones hacia la estrecha calle, generando la costumbre en la cual el hombre camina por el extremo exterior de la calzada, protegiendo la buena imagen de la mujer. La falta de normas acordes al desarrollo urbanístico provoco el deterioro del asentamiento y de la salud de sus residentes, cambiando esta situación en la reconstrucción de la ciudad después del gran incendio. Posteriormente en la reconstrucción de la ciudad, prevalecían la tradición a la razón de edificar una ciudad que representaba al reino ante el mundo, manejando el mismo sistema de calle, que interconectan la ciudad, las cuales hasta el día de hoy siguen siendo estrechas. Por otro lado el clímax del film muestra el espacio privado de uso público, el teatro El Telón (El Globo durante el rodaje del film) fue construido en 1599 por Peter Street; se encontraba a orillas del río Támesis en las afueras de la ciudad de Londres. Construido como una torre corta donde los espectadores podrían apreciar el teatro sin obstrucciones visuales, ya que el escenario está ubicado aproximadamente en el centro de la torre, en donde los lugares altos están reservados para altas jerarquías, lores, duques, caballeros… y la gente común se ubicaría en el centro, en la parte baja por debajo del nivel escenario, manteniendo el orden jerárquico social del momento. Andrés Felipe Parra
Espacio Urbano Asentamiento Consolidado “Ciudad”
En el Film indio “Los Niños del Cielo” se representa claramente las relaciones del individuo y el espacio urbano, en este caso una ciudad. El centro en esta oportunidad es un apartamento dentro de una residencia, pensión o inquilinato en donde la familia del protagonista, conformada por padres y hermana; comparte un reducido espacio privado, íntimo y un espacio privado público con los otros integrantes de la residencia, “los vecinos”, con los cuales deben compartir los servicios públicos esenciales como el agua. Fuera de la residencia se encuentran con una trama multidireccional la cual separa las edificaciones, estas vías sirven como enlace entre distintos sectores, y manejan un sistema de encaminado para aguas residuales en el centro de la misma a cielo abierto, los que lleva a pensar en los antiguos sistemas cloacales con influencia en la arquitectura inglesa. En contraposición al desarrollo urbanístico mostrado en los primeros ¾ del film, se muestra una zona con un desarrollo basado en modelos norteamericanas, un estilo Hollywood, en donde viven sectores pudientes de la sociedad, en esta zona la trama es una cuadricula perfecta, lo que influye en la desorientación de los protagonistas, y es evidente el manejo de jardines y áreas verdes como mitigadores del ruido de la ciudad. Andrés Felipe Parra
Espacio Vivencial Imaginario Espacio Cibernético.
En el film producido por Disney®, “TRON”. Se maneja un principio de realidad y espacialidad no abordada hasta el momento en el semestre; aunque ampliamente conocida por la cultura contemporánea gracias a la influencia de las obras de ciencia ficción en la sociedad, obras como la trilogía de “Matrix”, los animes de “Ghost in the Shell” los cuales pasaron rápidamente del impreso a la gran pantalla y posteriormente a la televisión, para ubicarse entre los más importantes e influyentes en la sociedad. Así pues, en las películas con similar temática, incluyendo lógicamente a TRON; se maneja la multiplicidad de formas de existencias en una misma temporalidad, pero en un diferente plano, una leve aproximación a la teoría de los multiversos una de las teorías bases de la física cuántica, aunque en estos ejemplos dichos universos no son reflejos del universo conocido, es uno creado por el dominio de la técnica por parte del hombre. Por otro lado, la espacialidad manejada en el film confiere una majestuosidad a los espacios vacíos, manejando a su vez una sensación microbiana por parte de los héroes (los programas), las superficies altamente agresivas, provistas de aristas cortantes manejan una enfática oposición a la organicidad del mundo fuera de la máquina. A sí mismo, en los espacios internos como lo son: el tanque, el reconocedor, la moto de luz entre los vehículos y el diseño de las celdas, puertos de conexión (corredores entre áreas) presentan una concordancia ergonométrica, y funcional al mejor estilo de la Bauhaus aunque presenta una notable exageración, el manejo del monolito, la mega estructura, dirigiendo la atención de espectador hacia un héroe de inferiores capacidades que las de su enemigo, esto más que ser un valor que impulse la mercantilización de la obra, es un cliché del ideal americano. Andrés Felipe Parra
Espacio Vivencial Imaginativo.
Sci- fi
escena con referentes tomados del comic europeo, como los trabajos de Enki
Bilal, en donde la estética se enmarca en una realidad oscura en la cual los
personajes se encuentran anestesiados por un mundo en que el porvenir es
incierto, para lo cual es vital el contraste, con el manejo de iluminación y colorido
hiperrealista, que hace recordar pinturas de Paul Cézanne, Paul Gauguin y
Vincent van Gogh.
Esta estética la han tomado algunos realizadores (en especial de Francia), como
firma; uno de estos realizadores es Jean-Pierre Jeunet y Marc Caro, siendo
representativos de estos “Delicatessen 1991”,”la ciudad de los niños perdidos
1995 y “Mic Macs 2009”, esta última, todavía en cartelera en algunas salas de
Cinecolombia®.
Por lo tanto, en la obra de Luc Besson, se crean atmosferas, con raíces en el
ciberpunk, por ejemplo los Moondoshawan, manejan un exoesqueleto; uno de
tantos referentes de la vida postorgánica. Siguiendo esta línea, el sobrevalorado
manejo de la tecnología dentro del relato, vincula ideas del futurismo como base
de la ciencia ficción y su principal idea, “<Dios maquina”, la supremacía de la
ciencia sobre todo el universo y lógicamente guiando el proceder del individuo o
comunidad, aunque el mejor ejemplo de esta idea es el “monolito” de la saga de
odiseas en el espacio, en cual interfiere para propiciar la evolución de la especie
(monos a hombre) en 2001 , y posterior generador de vida en 2010 la segunda
odisea.
Al mismo tiempo el diseño de escenarios y utilería revive lo hecho por Syd Mead,
en “Blade Runner”, mostrando un mundo en constante cambio y uso, reafirmando
la veracidad de su existencia. El manejo de códigos visuales estándar, en la
creación de los artículos y la formalidad que evidencia el uso del mismo, interviene
de manera acorde a la realidad propuesta, como lo son los sistemas de señalética
de las áreas comunes, en la ciudad y en Fhloston Paradise; las marcas en
especial “MC-McDonald”, y croquetas géminis.
Por otro lado, en Fhloston Paradise, se maneja una arquitectura interna bastante
nostálgica, la cual se basa en los edificios emblemáticos de occidente, como lo es
el Royal Opera House de Londres, aunque es una práctica común en centros de
entretenimiento como los cruceros o en las Vegas Nevada. Aunque en este
espacio, (Floston Paradise) se hace un manejo discreto, de las alarmas de
seguridad o los repetidos círculos amarillo, sistema de control de la violencia.
Al fin y al cabo, en la cinematografía de ciencia ficción, es común que al manejar
asentamientos se muestren los fracasos que provoca el avance tecnológico, en
este caso especial; la basura en el aeropuerto, o en los niveles más bajos de la
ciudad, en donde no hay presencia de residentes, más bien son habitantes
transitorios los cuales utilizan el área de desplazamiento para abastecer las
cadenas comerciales; otro elemento es la “niebla” la cual sirve como límite etéreo
entre la superficie de basura, y la ciudadela por encima de ella. Esta, lógicamente
no es producida por la humedad relativa, es un resultado del mal manejo de las
sustancias que generan gases y contaminación por partículas suspendidas, al
igual que en cualquier ciudad actual.
Andrés Felipe Parra
La Relación del Cine, es sus Diferentes Variaciones y El Pensar.
Como forma de narrar historias o acontecimientos, el cine es un arte, y
comúnmente, considerando las seis artes del mundo clásico, se lo denomina
séptimo arte. No obstante, debido a la diversidad de películas y a la libertad de
creación, es difícil definir lo que es el cine hoy. Sin embargo, las creaciones
cinematográficas que se ocupan de la narrativa, montaje, guion, y que en la
mayoría de los casos consideran al director como el verdadero autor, son
consideradas manifestaciones artísticas*
1
.
Tal vez la más prolífica de toda la historia de las artes, lo que le permite autodefinirse constantemente o evolucionar, respetando sus referentes históricos o en
ciertos casos negándolos. En todos los casos las obras filmográficas están, por su
forma de concepción, más cerca de la definición del hombre como ser pensante, el
cual continuamente escudriña su existencia y su relación con el mundo.
De esta manera, el cine que empezó solo representando acontecimientos
enmarcados en la trivialidad de la vida, como saliendo de la fábrica, la llegada del
tren, y posteriormente ficciones sin perder su relación con la verosimilitud de la
representación, las que no violaban los límites de la comprensión por parte del
público, puesto que toda estaba determinada por la causalidad, lo que determina
una forma de pensamiento básico y algo mecánico, es decir “uno más uno igual
dos”, manejando una racionalidad consiente.
Posteriormente al entrar en crisis este arte, “si se puede llamar crisis en sentido
tradicional occidental”, lo que generaron fue una nueva forma, la cual decide la
vinculación de espectador en la obra, retomando las preguntas de las vanguardias
de principio de siglo XX, y vinculando el afán pedagógico de las artes, no en el
sentido del manejo de conocimientos, sino en la retoma de la pregunta del ser,
olvidada por el impulso de la industrialización y confrontación bélica, que
acompaño la transición entre centurias XIX y XX.
1 http://es.wikipedia.org/wiki/Cine
Esta crisis género, un impulso intelectual; reactivo en el hombre la actividad de
pensar. Vinculándolo cada vez más en la obra, ya que el cine se mostró como el
mundo en el que se vive, un mundo que oculta, no es totalmente visible, como
dice Delueze al referirse al neorrealismo: -Ya no se representaba o reproducía lo
real sino que < se apuntaba> a él.
En vez de representar un real ya descifrado, el neorrealismo apuntaba a un real a
descifrar, siempre ambiguo; ahí que el plano secuencia tendera a reemplazar al
montaje de representaciones.-
1. Este manejo del recurso técnico convirtió al espectador, el cual antes se
sentaba en la silla del teatro, con un sentido de anonimato, un sentido que
antes servía como punto para una valoración objetiva de la obra, ahora lo
vincula dentro de la trama, lo convierte en cómplice, confidente de los
héroes, y lógicamente dotando de distintos valores, y sentimientos los
cuales entran constantemente en el actuar del hombre, determinando
aficiones o repulsiones, según Delezue :… pues planteaban el problema a
nivel de la realidad: el neorrealismo producía un
De qué manera en esta película la lógica orgánica de progresión causal del relato, se debilita para darle cabida a un personaje que ya no actúa si no que vagabundea, en el film colombiano “La Sociedad del Semáforo” Por Andrés Felipe Parra Al enfrentarme a un nuevo film colombiano, llevaba el peso generado por otros filmes de similar procedencia, los cuales no retan al espectador, por lo que dirigen al observador (en especial mi circulo de influencia, incluyéndome por su puesto) a un tedio constante y dirigido hacia la producción cinematográfica colombiana. Pero para no predisponerme aún más con este trabajo, determine no buscar la entrevista de Mario Alcalá con Rubén Mendoza, director de "La Sociedad del Semáforo", solo hasta después ver el film, aunque lógicamente había visto en otros medios como la televisión, las cuales son más “objetivas” entre su estilo, un estilo muy universitario en donde están mucho más abiertos y no buscan una confrontación con el artista, al no compartir o en este caso. entender la obra, como sucedió con los integrantes de la mesa de la “W” radio. Así pues, al terminar la función, la obra me sorprendió, como una totalidad interesante y singularmente articulada, dejando atrás ciertos prejuicios que tenía ante la cinematografía contemporánea Colombiana; Sin contar que intento evitar los prejuicios en mi vida, y en especial en el momento de apreciar obras, posteriormente podre dar razón de la misma, pero solo después de haber conocido y racionalizado. Como diría Freud, a veces un puro es solo un puro, es decir, intento aceptar las obras por lo que son, y posteriormente apropiarme de la obra por medio del análisis, revisar si maneja algún tipo de moralidad en el argumento, o si su creador interviene para insertarle una moralidad, el cómo están construidos los personajes y en especial el héroe, el juego de los escenarios en la trama hasta el ritmo manejado, el que en este caso se asemeja a una obra de Beethoven, ya que no maneja un ritmo constante durante su totalidad temporal de proyección, se evidencian cumbres variadas al igual que valles de diferente profundidad, poniéndolo en lenguaje grafico estadístico. Volviendo a punto central de interés, el constante vagabundeo del héroe en el film, relegando a un segundo plano el actuar. Según mi parecer el director, consciente o inconsciente, generó un canon plástico a partir de la psiquis del héroe, trasladando las experiencias del mismo por medio de la pantalla al espectador, en otras palabras el director hace que veamos (los espectadores) como lo hace el héroe. Manejando de forma inteligente los cambios tonales presentes en una población marginal, la cual encuentra un alivio en la alteraciones químico orgánicas que sufre su organismo al consumir sustancias psicoactivas. De igual forma se nota que tuvo sumo cuidado, con el manejo del tema de esta población, ya que es muy común satirizarlos por medio de clichés estereotipados, haciendo un chiste de mal gusto la situación que les toca enfrentar, como el último film de Robert Rodríguez “Machete” en donde la situación del inmigrante pasa a ser caricaturizada a tal punto, manejando situaciones cada vez más acartonadas, lo que la convierte en una comedia para anglosajones, especialmente por su tono altamente racista. Aunque tiene su mérito al poderse apreciar fácilmente como comedia sin pretensiones, como son los film en donde participa Ben Stiller u otros comediantes americanos. Retomando, en “La Sociedad del Semáforo” cabe aclarar que cualquier descripción de la misma, entraría en la categoría de ejercicio inútil con un resultado simplista. Pues este resultado carecería de la ensoñación poética que la imagen le otorga al sueño y deseo residente en el inconsciente. Como diría Deleuze, --- “el cine es la demostración de que una imagen puede ir más allá de la imagen, porque es la creación de una imagen no representativa, una imagen que, por sí misma, constituye una crítica de la representación..”---; Dándole a la imagen valor por sí misma, generando su exaltación, por lo tanto liberándose de la subordinación del discurso argumental que sienta las bases de todo el drama. En otro orden, la obra se nutre de los parámetros técnicos que André Bazin y Siegfried Kracauer, y en especial, la recuperación del valor de la ambigüedad de lo real, generando distintas interpretaciones y apropiaciones de la evolución de la obra durante su proyección por parte de los espectadores, los cuales proporcionan un juicio de valor objetivo según bagaje intelectual y disfrute obtenido; Mostrando la lentitud y el espesor de los ritmos cotidianos, el cual es constantemente retomado durante el film, manejándolo como icono grafico de poder en la urbe. El semáforo es el perfecto ejemplo de cómo se vuelve cada vez más densa, pesada la vida en la ciudad y se convierte en un provocador, y la esquina es el punto, la encrucijada que pude desencadenar la locura; Los personajes viven una motivación confusa, aunque presentan un objetivo claro, como la construcción del artefacto controlador del semáforo, este se desdibuja por factores tanto internos como externos, se podría decir que no son juguetes del destino, sino del régimen, que es un actor invisible constantemente castrando los deseos los protagonistas, volcándolos a una constante negación de la realidad a veces insoportable. Además de eso, el manejo dado durante la edición, resultó en una clara y continua exaltación pictórica de los eventos, los cuales entran como circunstancias no articuladas, lo que reafirma el manejo anti discursivo de los sucesos que construyen la narración; pero sin duda contribuyen a experiencia única e innovadora, que entra como un nuevo y fresco ejemplo de cinematografía colombiana. Referencias Bibliográficas. Revista Observaciones Filosóficas N° 5 2007 La imagen del pensamiento en Guilles Deleuze; Tensiones entre cine y filosofía Lic. Enrique Álvarez Asiáin - Universidad Complutense de Madrid http://www.observacionesfilosoficas.net/laimagendelpensamiento.html Pensar el cine. Un repaso histórico a las teorías cinematográficas Las teorías realistas de posguerra: Guido Aristarco, André Bazin y Siegfried Kracauer Miguel Fernández Labayen Institut de la Comunicació UAB http://www.portalcomunicacion.com/esp/pdf/aab_lec/39.pdf
Limite Análisis del film “Las Estaciones de la Vida”
En el film se manejan límites muy claros para el espectador sin importar su bagaje cultural, se pueden describir como una serie de círculos concéntricos, el siguiente más amplio que su similar antecesor. Durante el film se hace una clara identificación del budismo shinto ("Camino de los Dioses"), que significa una vía filosófica un estilo de vida y de entendimiento del mundo, originario de la China Tao). Son animistas, puesto que le confieren espíritu a la naturaleza, como explicación a las fuerzas en el mundo (montañas, ríos, rayos, viento, las olas, árboles, rocas). Estos espíritus y las personas no están separados, sino que existen dentro del mismo mundo y compartiendo su complejidad se relacionan entre sí. En el anterior párrafo, se ven las características esenciales de la práctica del budismo shinto, sirviendo como referencia geográfica, cultural. Por ejemplo, cuando el director decide mostrar dentro del santuario, las áreas laterales son zonas de descanso, pero no están delimitadas por muros, solo una puerta y su marco evidencian la transición entre las áreas, reafirmando los principios culturales de respeto a la privacidad del otro, al igual que las casas japonesas con puertas de papel. El siguiente límite es natural, el agua del lago pretende apartar a los monjes de distracciones banales los cuales les imposibilite trascender a un nivel existencial más coherente con sus principios. En la orilla de lago se yergue un pequeño Torii, marcando la frontera entre el espacio profano y el sagrado, este presenta puertas hermosamente decoradas con demonios danzantes; justamente debajo del torii hay un pequeño muelle para embarcar hacia el santuario. Atravesando el torii, se vuelven a evidenciar los límites naturales, la arboleda que cubre el valle y a su vez resguarda de influencias profanas (ruidos de la civilización) al santuario. En el film se empieza a evidenciar más claramente la relación entre el interior y el exterior y a su vez la generación de los límites en el segundo acto _ verano_, en donde chocan los mundos del monje y la chica enferma. En ese momento los límites establecidos por el monje anciano, los cuales lo rigen y su joven aprendiz, ya no contienen la mente del joven monje, desencadenando la trasgresión de los límites impuestos. ANDRES FELIPE PARRA
Escenario Urbano Caracterización. En el Film “Match Point”
del realizador norteamericano Woody Allen, es un ejemplo interesante de la filmografía de este director, pues no maneja preceptos del cine clásico, como el intervenir en la obra para generar un fin enmarcado en la moralidad social, en otras palabras este fin es una apología al delito. Aunque en este ejemplo se retira un poco de su esencia como director, el cual sabe manejar muy bien la búsqueda del sentido de la existencia por parte del héroe, como en “De construyendo a Harry”. Retomando el film, Match Point se desarrolla en Londres contemporáneo, en donde se puede deleitar con una ciudad en constante transformación la cual no rechaza los preceptos históricos que la han puesto en el centro del mundo Británico, es decir es el ejemplo que cualquier ciudad perteneciente antiguamente al imperio británico sigue. Por otro lado, los personajes y el héroe, se ven expuestos a edificaciones altamente transgresoras de la idiosincrasia londinense, como lo es el apartamento con vista hacia el puente de Londres, y en mayor media la torre Swiss Re diseñada por Sir Norman Foster, la que por su configuración arquitectónica sumado a la situación aparentemente sin salida que vive el héroe, lo agrede constantemente y empuja a la locura que rige sus actos al final. En contraposición, los personajes constantemente se dirigen hacia la campiña, un lugar que se contrapone al caos y tiempos descontrolados de las ciudades cosmopolitas. Andrés Felipe Parra
Memento, Análisis estructural del cine orgánico.
Es una película de suspenso, una de las mayores peculiaridades de la película
reside en su línea temporal, la cual en vez de ser lineal va hacia atrás "a saltos",
mostrando según avanza la película las causas de lo ya visto, en vez de sus
consecuencias. –Wikipedia–
En este film, se maneja una puesta en escena sencilla, con el fin de no saturar los
sentidos del espectador, evitando abrumarlo y que termine obviando la historia y
la forma de contarla.
El carácter de los personajes es claro, verosímiles y necesarios los cuales se
vinculan en la trama de forma adecuada para el hilo argumental es decir
_Presenta individuos psicológicamente definidos que luchan por resolver un
problema claramente indicado…_
1
* y evitando caer en un discurso inverosímil _ya
los que imitan, imitan a personas que actúan, y forzosamente éstos son gente
honrada o vil_
2
*. Siguiendo esta línea el personaje principal que se convierte en
el agente causal, el objetivo de cualquier restricción narrativa y el objetivo de
identificación del publico.*
3 aunque no demuestre conocimiento claro de este
hecho, debido a su falencia psíquica inherente a su condición.
Por otro lado el carácter trágico de la historia, evidencia el tema poco agradable,
pero constante en la historia de la humanidad; el manejo de las perversiones que
1 * pg157 “la narración en el cine de ficción
2 pg. 36 La poética
3 pg157 “la narración en el cine de ficción”
está en constante lucha entre deseos y la ley representada por la cultura_
efectivamente, lo cómico es un defecto y una fealdad que no contiene ni dolor ni
daño_.*
4
_El argumento no es unitario, como algunos creen, si concierne a un ser; pues a
uno le ocurren infinidad de cosas, algunas de las cuales no comportan unidad
alguna_*5
. El argumento pereciere que está en constante cambio no es claro para
el espectador ya que no utiliza el montaje clásico cronológico. Y hace pensar en el
en la poética se llamó _episódico a aquel argumento en el cual la sucesión de los
episodios no es verosímil ni necesaria_*6
.
El argumento del film es bastante simple, -entre los argumentos, unos son simples
y otros complejos. Y es que también las acciones a las que imitan los argumentos
son, de por sí, así.
Entiendo por <
Espacio Habitacional Según el análisis del film Orgullo y Prejuicio.
El habitad va más allá de la vivienda o lugar de morada. En el film se advierte este concepto en la forma como el exterior y el interior de las edificaciones se complementan formando en núcleo de habitad. En este núcleo confluyen todos los aspectos de apropiación y control que el individuo otorga a un lugar familiar. En la película se demuestra esto en el manejo de la luz, lógicamente la luz artificial ( de vela o chimenea) no alcanza a aclarar todo el espacio, pero al usarlo genera una nueva atmosfera totalmente controlable por el individuo, esta es una imitación de la luz que el sol puede generar en el exterior, pero al tener agregado el concepto de protección de la edificación, automáticamente se obstruye el avance de la misma (la luz). Por otro lado en exterior se demuestra lo que hay en el interior, es decir se exterioriza el lujo, el arte, el gusto del propietario en los jardines y como los moldea en beneficio de su buen nombre, buen gusto…. Con el fin de ajustar en esta sociedad tan represiva que muestra el film. Andrés Felipe Parra
Bergman, Dios y Sociedad.
Al evolucionar cada vez más la raza humana, los avatares del pasado son remplazados por conocimientos y teorías, racionalizadas, categorizadas y almacenadas. En muchos casos resulta en la obsolescencia de creencias ancestrales las cuales han perdido su fundamento rector de la vida humana. Iniciando así el principio del fin de Dios. Al mismo tiempo, que el conocimiento empieza a regir la existencia, se empieza a limitar la posibilidad de acción, el mundo ya no es tan grande como antes y la única manera de toparse con magia, fantasía y milagros es en oscuras callejuelas donde los mercantilizados por inescrupulosos se lucran con el infortunio de otros. Por otro lado en sectores sociales en donde él satisface las necesidades básicas. Son historias de antaño, los individuos se vuelcan a un desarrollo más social en procura del éxito. Este desarrollo conlleva una perdida del Ser, del sentido de identidad y castra las pasiones que construyen un individuo bien estructurado. Simultáneamente, se evidencian estos fenómenos sociales en todas partes del mundo, aunque se enfatizan los países del primer mundo en donde se ha secularizado el estado. Resultando en pérdida de influencia de la instituciones religiosas y una pérdida del rumbo por parte del individuo, generando un sentido de soledad, absoluta y universal. • Dios ha muerto. • Dios sigue muerto. • Y nosotros lo hemos matado. • ¿Cómo podríamos reconfortarnos, los asesinos de todos los asesinos? 2 • El más santo y el más poderoso que el mundo ha poseído se ha desangrado bajo nuestros cuchillos: • ¿Quién limpiará esta sangre de nosotros? • ¿Qué agua nos limpiará? • ¿Qué rito expiatorio, qué juegos sagrados deberíamos inventar? • ¿No es la grandeza de este hecho demasiado grande para nosotros? • ¿Debemos aparecer dignos de ella? Nietzsche, La gaya ciencia, sección 125 En el film “Fresas Salvajes”, se evidencian diferentes fenómenos, que generan un escrutinio de las acciones, por parte de un hombre en el ocaso de su vida. El héroe se ve atormentado por la cercanía de su inevitable deceso e inevitables visiones del mismo. Por lo cual resuelve cambiar de planes y efectuar el viaje en automóvil; el cual tendrá como resultado un homenaje en donde le otorgaran un título por su vida de logros. En el camino visita la casa de veraneo de su familia, recordando momentos ínfimos pero cruciales que afectaron el curso, que él hubiera designado para su existencia. Por lo tanto, este viaje es una retrospección de la vida un hombre, en busca del tiempo perdido, la constante pregunta del valor de la acciones. Y por último el terror de ser incapaz de remediar esto, encaminándolo a su obsolescencia como ser, como padre, como hijo… volcándolo a vivir de recuerdos en soledad. Por otra parte, pero no en sentido opuesto en el film “Persona”, presenta el problema de la existencia, el sentido de identidad; de allí su título el cual según Will Peterson "La cualidad de la sensibilidad es la facultad para percibir e interpretar el estado de ánimo, el carácter y la forma de actuar de las personas, 3 así como la construcción de las circunstancias y los ambientes que en cada momento nos rodean, para interactuar en beneficio de los otros/nosotros." Aunque en el caso representado en el film el sentido maquiavélico con el que Elisabeth maneja a la insegura Alma, la cual no la puede entender por completo, volcándola a un rechazo posterior (ya que se desdibuja la individualidad de las dos), ya que Alma se ve reflejada en Elisabeth, demuestra como entra en el desarrollo social el manejo de máscaras, que permiten afrontar y beneficiarse, en pro de metas personales. "Con la mirada perdida y no obstante existente. . . siendo y no siendo " Pablo Neruda. Por lo tanto, estos film evidencian el afán por parte de Bergman por entenderse, como individuo particular y el cómo las acciones sin importar su insignificancia pueden contribuir a la construcción o destrucción del mundo individual, exteriorizando los anhelos y pasiones del subconsciente, y dándoles cabida en una realidad apática a la existencia.
Recorrido A partir del film La Misión.
"…el concepto de lugar implica un interior y un exterior: y el espacio existencial comprende muchos lugares. Por consiguiente, un lugar está situado dentro de un contexto más amplio y no puede ser comprendido aisladamente, cualquier lugar contiene direcciones."
Christian Norberg-Schulz
_ Existencia, Espacio y Arquitectura El film es una representación histórica del drama de las colonias suramericanas inmersas en la lucha entre los poderes reinantes, clero y estado. Por lo que son evidentes las metáforas del recorrido como medio de búsqueda de crecimiento espiritual. Dicho recorrido está ubicado geográficamente entre la ciudad colonial, la que representa la civilización y la misión arriba de las cataratas la cual representa el nicho a ser civilizado, pero también recae sobre esta zona la pureza divina. Cada vez que los misioneros atraviesan la selva y suben por la cascada a la misión, se acercan a Dios, por medio de la penitencia que esto conlleva llegando a un sitio puro e inmaculado el cual es el opuesto a la ciudad colonial. Por otro lado en las escenas en que le están mostrando primera misión ( no la que se encuentra en las arriba de las cataratas), se manejan paneos horizontales , llanuras de cultivo, reafirmando el recorrido horizontal de la cámara , demostrando la apropiación del espacio por parte del hombre, este espacio ya está civilizado por lo cual es una zona de seguridad en el salvaje nuevo mundo. La construcción de caminos a través de la selva para llegar a la misión es un resultado del recorrido continuo. Ya dentro de las áreas de la misión se evidencia un propósito, una planeación del camino según los recorridos observados, de la iglesia a las malokas; de igual manera, distintas áreas comunes como el rio y el salir de la misión a las zonas de caza, intercomunicando distintos sitios estratégicos para la comunidad. El recorrido, es el medio tradicional para conocer y apropiarse de un sitio, el camino de cierta manera también es un sitio habitable, un sitio de transición el cual siempre puede ofrecer pequeñas variaciones haciendo cada recorrido único, pudiendo trascender a un mejor entendimiento del entorno. Andrés Felipe Parra
Repo Men
, Psicopatologias, erotismo en el mundo del cine
. Film de ciencia ficción dirigido por Miguel Sapochnik . Basada en la novela “ The Repossession Mambo” de Eric Garcia; en donde: Remy, protagonizado por Jude Law y Jake por Forest Whitaker; son hombres del departamento de recuperaciones de la corporación de instrumental médico “La Unión”, el mayor proveedor de órganos artificiales. Literalmente, hay una nueva versión post - orgánica de cualquier tejido u órgano que se podría necesitar alguien convaleciente. Estos productos son costosos, pero hay formas crediticias que ayudan su obtención, y le generan más ganancias a la Corporación, que la compra de contado. Cuando el comprador no puede pagar, La Unión cierra el contrato y envía a los hombres de recuperaciones (REPO MEN), con el fin de recuperar la propiedad de la compañía, en este caso el órgano artificial. Durante una de estas recuperaciones el equipo de Remy presenta una avería, provocándole un accidente cardiaco, por lo que la Corporación con colaboración de Jake deciden implantarle un corazón artificial. Esta situación le genera a Remy un nuevo sentimiento, simpatía por los deudores de la Corporación, impidiéndole actuar como antes lo hacía y como se espera de un hombre de recuperaciones. Su familia rechaza brindarle su ayuda, ya que entienden claramente el desenlace de esto, lo cual convierte a Remy en un perseguido por la Corporación. Al vivir en las calles se encuentra con una chica que está en la misma situación que él, su unión genera en Remy una nueva esperanza, por lo que decide huir a algún país en donde no haya presencia de la Corporación, plan que al borde de concretarse deben desechar por la cercanía de la gente de recuperaciones. Por lo que abandonan el aeropuerto y se dirigen hacia un centro médico clandestino en busca de reparaciones; en este momento la trama argumental da un giro, en donde Remy y la chica se dirigen hacia la Corporación con el fin de eliminar el problema de raíz. Pero la toma de esta decisión es como un sueño, la densa niebla (metafóricamente) alcanza a ocultarnos las acciones que generan el clímax de la obra. Escondido bajo los presupuestos Sci-fi de la distopía futurista, se encuentra una obra enmarcada dentro de los límites del cine comercial de Hollywood, con una fuerte crítica socio-política de la sociedad de consumo. Por consiguiente, en el film se ve un héroe altamente adaptado a las dinámicas sociales, según lo descrito al principio de la narración, se muestra inteligente, con un gusto por la poesía y la justicia. Más adelante nos presenta una condición que influencio el rumbo de su vida, tener un cerebro pequeño y un cráneo grueso, lo vinculó con éxito en trabajos de constante estrés físico, como lo es el ser artillero de un tanque durante periodo de combate, esta condición sumando su perfil psicológico tomado por la armada, lo vincularon posteriormente a un trabajo, que en sus palabras era fácil y con enormes beneficios monetarios. Hasta el momento no se evidencia en particular la psiquis del héroe, es un hombre del común y sumado a las variables sociales de esta realidad, la mayoría de la población es moralmente flexible. Lo que sumado a una apatía generalizada ayuda a evitar la realidad que implica las políticas de la corporación y su influencia en la política y la sociedad. Durante su trabajo se ve a Remy y a cualquier “Repomen”, totalmente abstraído en su labor y no hay nada de malo en ella “trabajo es trabajo” como dicen los Repomens, de esta manera dividen al humano y lo clasifican como contenedor. Es decir si no paga las cuotas el contenedor debe ser abierto para retirar el producto y remitirlo al siguiente contenedor. Ha mecanizado el proceso de extracción, dotándolo de una efectividad industrial. Sumándolo a la permisividad de esa sociedad, la cual se mantiene al margen de las operaciones de la corporación, la cual cuenta con el aval de las autoridades locales, por influencia de esta en la economía y el miedo que sus prácticas generan en el individuo. Simultáneamente, se ve como la psiquis del psicópata esta oculta bajo el velo de la supuesta normalidad; Remy presenta una conducta familiar ejemplificante pero dentro del trabajo entra al plano psicopático, cosificando a sus víctimas (los deudores), por su trabajo tiende a la repetición de técnicas las cuales codifican el acto psicópata, lo que da respuesta a su fama de ser en mejor Repomen, al igual que Jake. Sin embargo, sus capacidades para el trabajo se ven suprimidas después del accidente, conllevando a una personificación e identificación con la víctimadeudora; más tarde al conocer a Beth (Alice Braga), este sentimiento crece y se encamina al romance. Más adelante y gracias a un corte abrupto encontramos a Remy y a Beth entrando a las oficinas centrales de la corporación, en donde se encuentra tras una puerta rosa, el computador, con el que pueden eliminar su historial crediticio; y solo tras enfrentarse al cuerpo corporativo de la unión. Al atravesar la puerta rosa descubren horrorizados que no hay teclado, el único puerto de entrada es una serie de scanners manuales. En este momento Remy decide abrirse el abdomen y con la ayuda de Beth dirigir el scanner, para que pueda leer el serial del corazón artificial. Luego es el turno de Beth, pero al ser una chica que ha vivido rápido, presenta toda variedad de repuestos post-orgánicos, se vuelve en una tarea ardua y agotadora que constantemente la lleva al límite de su existencia. Es una de las escenas con mayor carga erótica de la historia del cine, la tarea de hacer leer los seriales por el scanner maneja como mimesis un toque divino, (Remy toca el alma de Beth). La descripción lógicamente fracasa en su intento, llevando a la obra a un régimen de las imágenes, y entrando o clasificándose superficialmente dentro de los presupuestos que Gilles Deleuze, pero que se puede anexar con “el duelo”, de banda “La Ley”. Después de esta escena, parece que la obra terminara con un final rosa, con el héroe disfrutando la gloria acompañado de su amante y su amigo. Pero la sorpresa que solo al final se revela, genera mayor desestabilización del mundo y su verdad, como en el film “Los Sospechosos Habituales” con Kevin Spacey.
Andrés Felipe Parra
Deseo Masculino, Deseo Femenino.
por Andrés Felipe Parra -
“La perversión... apenas acentúa la función del deseo en el hombre” - Lacan, 1960 La agradabilidad que conmueve los sentidos, sea por encauzamiento, motivado por vivencias pasadas o por neto reflejo corporal ya sea por objetos materiales, por saber, por personas o por afectos, marcan la vida del individuo y le ayudan a construir su personalidad o carácter. Los acontecimientos vividos durante la infancia establecen direccionamiento psíquico que posteriormente el sujeto manifestara en su vida adulta a nivel social o manejando cierta privacidad. En la película “Ensayo de un Crimen”, se evidencia claramente como el pasado nos atormenta en el presente, el sentido de poder otorgado por un objeto calé u objeto fetichista en su infancia, la cual le otorgaba el poder sobre la existencia de terceros. Posteriormente al ser adulto, poco adaptado socialmente, recupera este objeto convirtiéndose esta en el detonante de sus deseos perversos ocultos en lo profundo de su inconsciente. Es decir, el protagonista en su infancia estaba determinado por la impotencia hacia el mundo que lo rodeaba. La falta de control ejercido hacia la madre le genero el deseo; era evidente que la aceptación hacia el padre se estaba concretando, la ilusión de generar un hogar y tomar el papel del paterno, ya era claro en su mente. Para lo cual el estudio de las mujeres que lo rodeaban, con el fin de determinar lo más óptimo en su vida social, aunque se encuentre en constante pugna entre su perversión y su virtud. Retoma la dimensión del síntoma de la sexualidad y su relación con la civilización. El carácter patológico de las perversiones no se revela más que en el caso que se dé exclusividad del objeto y la fijación libidinal, la relación con su caja de música y su deseo. La necesidad de satisfacer su deseo de control lo lleva a vislumbrar la necesaria satisfacción por medio del homicidio, el planear el acto lo equilibra en los momentos en que su neurosis florece frente a los acontecimientos no favorables. Aunque no logra determinar el momento para dicha encomienda; el principio del placer aparece de algún modo como una barrera natural al goce, la oposición entre la homeostasis del placer y los excesos del goce. La barrera se enmarca en la conciencia social del protagonista, lo que interviene para la aceptación de sus perversiones, encaminándolo a eliminar el objeto fetiche detonante, y tener una participación más activa socialmente. Por otro lado el deseo femenino, representado en el film Bella de Día, en donde una mujer vive un matrimonio el cual la reprime totalmente sus pasiones, se ha amoldado perfectamente a la sociedad, produciendo que sus deseos inconscientes se desborden. Se evidencia como la forma de afectación que produce el deseo es diferente entre los dos sexos; la niña lo ve todo del padre. De aquí arranca el complejo de masculinidad de la mujer: o bien la mujer que va a alucinar un pene y va a caer en la psicosis o bien la mujer que a toda costa va a tener un pene (la mujer domadora conquistadora). Bella de día maneja un control situacional, victimizándose de forma sumisa; manteniendo el control frente a agentes de mayor poderío, como ante la proxeneta, sus clientes, su esposo. Aunque en este ejemplo ( Bella de Día), no se demuestra un avance de lo psíquico frente a su perversión, es decir ella no logra o no expresa en el film, el deseo de procrear; tener un hijo, ya que no tiene pene. El deseo reintegra a la mujer a su propia función femenina, y el deseo de tener un hijo es una puñalada al Edipo (el primer deseo de tener un hijo es robárselo a la madre para tenerlo con su padre). Tal vez este desencadenamiento de eventos está dirigida por la concepción social falo céntrica, guiando a Bella a la perversión social, viviendo entre mundos , el real o el de la vigilia, y el de sus fantasías, en donde la condición de su esposo no es un obstáculo para su felicidad, y representa una aceptación social marital de todas sus perversiones. -* Andrés Felipe Parra
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